Kulturarchiv Europa

Name des Künstlers:
SAGASON

Mitglieder bzw. Besetzung oder Mitwirkende:
Jaba Verzellenberg (Komposition, Instrumente & Vocals)
Manchmal mit Unterstützung der lieben J.S. (Vocals)

Entstehungsjahr:
2018

Bisherige Veröffentlichungen:
Mehrere Alben und Singles, u.A.:
Álfablót (2020)
Nine Worlds Within (2020)
Dancing with you shadows (2021)

Kurze Beschreibung der Musik/des Projektes:
Sagason schöpft aus den Geschichten der heidnischen Mythologie, der okkulten Mystik und der alten nordischen und germanischen Folklore, um magische, kinematische Klanglandschaften zu schaffen, die den Hörer aus dem Stress des Lebens an die Orte teleportieren, die zu diesen Lieder inspiriert haben. Mit traditionellen Naturinstrumenten, der menschlichen Stimme und Naturgeräuschen schafft es Sagason, durch seine atmosphärischen Schichten und seine Instrumentierung ein allumfassendes Eintauchen in mystische Kulturen zu ermöglichen. Sagason’s natürliches Interesse am Okkulten und seine Leidenschaft für die Künste in Form von Musik und Malerei spiegeln sich in jedem Track wider, denn jedes neue Album erzählt eine neue Geschichte von Anfang bis Ende.

Der in den Niederlanden geborene und jetzt in Deutschland (Wolfsburg) lebende Musiker Sagason komponiert und veröffentlicht weiterhin seine originelle Musik, die von den Magiern, den Merlins und den Schamanen, von den Sagen, den Mystikern und der Magie inspiriert ist.

Bitte teile mit uns, was in der nahen Zukunft zu erwarten ist:
Ein neues Album wird sehr bald erscheinen. Es sind auch einige Kollaborationen mit anderen heidnisch orientierten Künstlern in Vorbereitung.

Sagason’s Social Media Links:
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Credits (Headerbild): Sagason, Credits (Artwork für das kommende Album): Sagason

Name des Künstlers:
JOANA GUERRA

Mitglieder bzw. Besetzung oder Mitwirkende:
An meinem letzten Album, “Chão Vermelho” (Red Ground), das im November 2020 von Miasmah Recordings veröffentlicht wurde, haben die folgenden Künstler und Musiker mitgewirkt:

Joana Guerra – Cello, Vocals, Elektrische Gitarre, Portugisische Gitarre, Keyboard
Maria do Mar – Geige auf “Rajada”, “Lume”, “Oásis”, “White Animal”
Sofia Queiroz Orê-ibir – Doppelbass auf “Equinopes”
Carlos Godinho – Percussion und Objekte auf “Onna-bugeisha”, “Lume”, “Oásis”, “White Animal”
Bernardo Barata – zusätzliche Vocals in “Equinopes”
Lyrics von June Nash in “Lume”, Joana Bértholo und Joana Guerra in “Equinopes”, Alix Sarrouy in “White Animal”
Recording and Mixing: Bernardo Barata, September und Oktober 2019, Lisbon
Mastering: LUPO
Photographie: André Cepeda
Artwork: Erik Skodvin

Vergangene Veröffentlichungen:
als Joana Guerra:
“Chão Vermelho”, 2020, Miasmah Recordings
“Osso”, 2018
“Cavalos Vapor”, 2016
“Gralha”, 2013

weitere Projekte:
The Alvaret Ensemble (mit Joana Guerra und Olga Wojciechowska), “EA”, 2020, Laaps Records
Asimov and the Hidden Circus, “Flowers”, 2020
Joana Guerra & Gil Dionísico, “Alarming Kids”, 2019
Bande à Part, “Caixa Prego, 2014, Creative Sources Recordings

Kurze Beschreibung der Musik/des Projektes:
Joana Guerra (Lissabon, 1983) begann nach Abschluss ihres klassischen Cellostudiums im Jahr 2009, abenteuerliche musikalische Landschaften voller akustischer Experimente zu erkunden. Neben ihren eigenen Solo-Veröffentlichungen arbeitet sie derzeit mit zahlreichen anderen Musikern und Künstlern in verschiedenen experimentellen, improvisierten Musikprojekten zusammen.

Als Musikerin bewegte ich mich in musikalischen Landschaften, die meinen Wunsch nach akustischen Experimenten und nach der Übernahme kühnerer Klangreferenzen sowie erweiterter Techniken für das Cello widerspiegeln konnten, was mich dazu brachte, Teil der freien Improvisationsbewegung in Lissabon zu werden.

2011 startete ich mein Soloprojekt für Cello und Gesang. Seit der Veröffentlichung meines ersten Albums, Gralha (2013), habe ich ununterbrochen gearbeitet. Ende 2016 kam mein zweites Album, Cavalos Vapor, heraus. Ich habe es in mehreren wichtigen portugiesischen Veranstaltungsorten vorgestellt: Casa da Música, Serralves Foundation, Salão Brazil, Festival Rescaldo, MIL, West Way Lab Guimarães, Fem Fest, Damas… und auch im Ausland: Spanien, Frankreich, Niederlande, Belgien, Deutschland, Brasilien und São Tomé e Príncipe. Vor kurzem erschien mein drittes Soloalbum OsSo, eine Komposition für eine choreografische Installation.

Parallel dazu habe ich intensiv an experimenteller, Noise-, Rock-, Free Jazz- und improvisierter Musik gearbeitet: ein Duo für experimentelle Lyrik mit dem Geiger Gil Dionísio; das freie Improvisationstrio Bande à Part, das 2014 sein Debütalbum bei Creative Sources veröffentlichte; mit dem Alvaret Ensemble; dem von Cornelius Cardew inspirierten Ensemble “Tratado de Cardew”; der Spoken-Word-Band Tapete; mit dem audiovisuellen Projekt Concon; dem Sextett Lantana; außerdem zahlreiche weitere Kollaborationen mit Mark Alban Lotz, Orquestra do Ruído (aka Associação Terapêutica do Ruído), Helena Espvall, Scout Niblett, Surma, Beat the Odds (Ricardo Jacinto, Elisabeth Coudoux, Pascal Niggenkemper), Trigger (Simon Hanes, Will Greene, Aaron Edgcomb), Scout Niblett, Tiago Sousa, João Ferro Martins, Mia Distonia, André Calvário, Cícero, Maria do Mar, Bernardo Álvares, João Sarnadas, Yaw Tembe, Pop Dell’Arte, und viele andere.

Seit 2017 spiele ich auch mit der Heavy-Psych-Band Asimov. Im selben Jahr war ich stolz darauf, Teil einer künstlerischen Residenz in Portugal zu sein, die ausschließlich aus wunderbaren Musikerinnen bestand: Joëlle Léandre, Susana Santos Silva, Angelica Salvi, Maria Radich und Maria do Mar, die in einem großen Konzert in der Serralves Foundation (Porto) im Rahmen des von Rui Eduardo Paes kuratierten Programms Jazz in the Park 2017 gipfelte.

Ich war auch als Komponist und Performer an Projekten aus anderen künstlerischen Bereichen beteiligt: im Bereich Tanz habe ich mit den Choreographen Clara Andermatt, Madalena Victorino und Marina Nabais zusammengearbeitet; im Bereich Theater mit der Theatergruppe João Garcia Miguel; im Bereich Kino/Dokumentarfilm habe ich den Soundtrack für Os campos em volta von João Botelho gemacht, der auf dem Festival IndieLisboa 2015 präsentiert wurde, und auch für Peceras von Asur Fuente.

Dieser lebendige Schmelztiegel künstlerischer Erfahrungen bereichert mein Dasein als Musiker und als Komponist. Diese ständige Entwicklung teile ich bei meinen Live-Auftritten mit dem Publikum!

Die wichtigsten Einflüsse auf deine Musik:
Einige meiner frühen Einflüsse:
Nachdem ich mein Cellostudium an der Musikschule abgeschlossen hatte, beschäftigte ich mich intensiv mit Musikern, die sich ihrem Instrument auf eine rebellische und experimentelle Art und Weise näherten, vor allem mit Streichern, und die die so genannten erweiterten Techniken einsetzten, wie Tom Cora, Joelle Leandre, Tony Conrad, Carlos Zíngaro, Arthur Russell, Miguel Mira, usw.

Bitte teile mit uns, was in der nahen Zukunft zu erwarten ist:
Ich werde Ende September/Anfang Oktober für drei Präsentationen in Leeuwarden (Niederlande) sein.
Ende September/Anfang Oktober werde ich in Leeuwarden (Niederlande) für drei Austauschpräsentationen zwischen portugiesischen Dichtern und Musikern mit lokalen Künstlern sein. Einer der Auftritte wird am 2. Oktober im Rahmen des Festivals Explore the North stattfinden.
Danach werde ich mich, zusätzlich zu einigen Konzerten, in Lissabon auf neue Kollaborationen, Schaffensprozesse und Proben konzentrieren.

Joana Guerra’s Website und Social Media Links:
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Credits (Headerbild): João Duarte, credits (Artwork für das Album “Chão Vermelho”): Erik Skodvin

Künstlername:
ANIQO

Mitglieder bzw. Besetzung oder Mitwirkende:
Anita Goß (ANIQO), Torsten Füchsel (guitar), Illia Vovk (Keys,Synths) //// Live on drums: Alexander Lode /// Studio recorded drums: Nicolai Ziel // Producers: Guy Sternberg + Joe Cardamone

Entstehungsjahr:
2016

Land:
Deutschland

Genre/s:
Psychedelic Folk, Experimental Rock, Dark Pop

Bisherige Veröffentlichungen:
Deep Sea Fish – Single Juli 2021 via SPRINGSTOFF
Must Surrender 2021 – Single Mai 2021 via SPRINGSTOFF
LoveLife – Single November 2019 via Duchess Box Records
Fake – Single Juni 2019 Duchess Box Records

Über ANIQO:
Die Musik von ANIQO wird oft als düster und subversiv bezeichnet. Das Projekt der mittlerweile in Berlin ansässigen Künstlerin Anita Goß bewegt sich zwischen Extremen. Mit einem Bekenntnis zum Minimalismus und dem Appetit, “hell und dunkel” in innovativen Liedern zu vermischen, schmiedet sie ihren eigenen einzigartigen Sound, der irgendwo zwischen den Genres Dark Wave, Psychedelic Rock, Singer-Songwriter und Folk zu verorten ist – inspiriert von Rockikonen und Liedermachern, wie David Bowie, Beth Gibbons, John Lennon, PJ Harvey, Arcade Fire und Sharon van Etten. Die ersten Songs nahm ANIQO 2017 in Los Angeles mit dem Produzenten und Musiker Joe Cardamone auf, der bereits mit Mark Lanegan, Warren Ellis von Nick Cave and The Bad Seeds und James Williamson gearbeitet hat. ANIQO erhielt Anerkennung von Magazinen wie Far Out Magazine, Spiegel Online, New Noise Mag, Psychedelic Baby und Post Punk sowie von John Kennedy bei Radio X. Unter anderem veröffentlichte die Band Black Rebel Motor Cycle Club ihre Songs und Videos auf ihrer Website. Das Far Out Magazine beschrieb 2018 ganz treffend: “Die düster-subversive Pop-Noire findet in ANIQO ein herausforderndes und ergiebiges Vehikel, und sie scheut sich nicht, ihr Werk immer wieder auf den Kopf zu stellen.”

2019 wurden die ersten offiziellen Singles über das in Berlin ansässige UK-Label Duchess Box Records veröffentlicht.

Gemeinsam mit dem Produzenten Guy Sternberg (Kings of Convenience, Yoko Ono, Zweiraumwohnung, Feist, Giant Sand), der bereits 2019 ihre Single LoveLife in seinem Berliner Studio Low Swing aufnahm, und ihren festen Bandkollegen Torsten Füchsel (Herbst in Peking, Me to my Wall) sowie Illia Vovk (Nights Out) nahm sie im Corona-Sommer 2020 ihr erstes Album BIRTH auf, das im März 2022 über das Berliner Label SPRINGSTOFF veröffentlicht wird. Ein sehr persönliches, aufwühlendes, befreiendes, berührendes aber auch gesellschaftskritisches Debüt, voller dunkler Lichtmomente und feinmusikalischen Elementen.

Was in der nahen Zukunft zu erwarten ist:

nächste Veröffentlichungen:
Single “Fear” – Veröffentlichung am 01.10.2021
Single “Balance” – Veröffentlichung im Nov 2021
Album “BIRTH” – Veröffentlichung im März 2022 auf Vinyl, Digital und CD via SPRINGSTOFF, Vertrieb Broken Silence

nächstes Konzert:
Donnerstag, 16.09.2021 im Ballhaus Berlin mit ROM – Der Schlagzeuger von Zwitschermaschine 19 Uhr

ANIQO’s Website und Social Media Links:
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Credits (Headerbild): Peter Hoennemann, Credits (Artwork für Single “Fear”): Pegman Graphics, Christoph von Budea

Der britisch-norwegische Künstler James Welburn, dessen Instrumental “Peak” vom Album “Hold” in der ersten UNEARTHED Sendung (vom 19. Juli 2021) zu hören war, war so freundlich, einige Fragen zu beantworten und Kulturarchiv Europa mit einigen exklusiven Informationen über seine künstlerische Reise, Einflüsse und Hintergründe zu bereichern:

Künstler-, Band-, Projektname:
JAMES WELBURN

Mitglieder:
Ich bin der Künstler und Produzent (unter meinem eigenen Namen), habe aber gelegentlich Gäste. Meine Gäste verbringen in der Regel ein paar Tage mit mir im Studio, während ich viel länger an den Kompositionen und Mixen arbeiten kann, manchmal über mehrere Jahre 🙂

Entstehungsjahr/Gründung:
Ich experimentiere schon seit meiner Jugend mit Musik und Sound, aber mit diesem Projekt habe ich erst 2012 ernsthaft begonnen. Nachdem ich gerade ein Jahrzehnt in der Berliner Musiksoftware-Industrie gearbeitet hatte, merkte ich, dass mein Herz wirklich beim Musikmachen und nicht bei den musiktechnischen Aspekten lag. Ich beschloss, so viel Fokus und Zeit in meine Musik zu stecken wie in jedes größere Projekt, mit dem ich in den Jahren zuvor beauftragt worden war. Für mich war das der einzige Weg, um tiefere, kraftvollere kreative Ergebnisse zu erzielen.

Land:
Ich lebe seit 2014 (sieben Jahre lang) in Lillehammer, Norwegen. Davor war ich seit 2002 in Berlin, Deutschland (zwölf Jahre lang). Ich bin in London, Großbritannien, mit einem englischen Vater und einer portugiesischen Mutter aufgewachsen. Wir sind jeden Sommer nach Portugal zu ihrer großen Familie gereist. Obwohl mein Pass britisch ist, betrachte ich mich als Europäer, wenn ich all diese verschiedenen Zeiten zusammenzähle! Ich habe fast 20 Jahre lang außerhalb des Vereinigten Königreichs gelebt und war von Anfang an zur Hälfte Engländer.

Genre:
Experimentelle, schwere Gitarrenmusik mit elektronischen Elementen. Discogs erwähnt auch: Drone, Post Rock, Dark Ambient, Noise.
Seit ich angefangen habe, elektronische Beats hinzuzufügen, wird meine Musik auf manchen Musikseiten auch als Techno getagged (das ist definitiv ein weiterer Einfluss).
Schließlich habe ich Sound Art studiert und in meinen frühen Zwanzigern als Sound Designer für Kurzfilme und das Fernsehen gearbeitet, es gibt also einige weitere Einflüsse. Die Leute beschreiben meine Musik oft als cineastisch oder wie einen Filmsoundtrack, obwohl sie ursprünglich als reine Klangwelt gedacht war.

Frühere Veröffentlichungen mit Erscheinungsjahr:

Im Folgenden sind meine Solo-Veröffentlichungen aufgeführt:

James Welburn – ‘Sleeper in the Void’ (2021)
Label: Miasmah – mia 050
Meine zweite LP, mit Beiträgen von Tomas Järmyr, Hilde Marie Holsen & Juliana Venter.

James Welburn – ‘Trondheim Sessions’ (2017)
Label: Cloudchamber #cc12
Experimenteller E-Bass solo.

James Welburn – ‘Hold’ (2015)
Label: Miasmah – mia 031
Meine Debüt-LP, mit Schlagzeug von Tony Buck (The Necks)

Es gibt noch weitere Veröffentlichungen, an denen ich beteiligt war, die alle auf meiner Website unten aufgeführt sind.

Die wichtigsten Einflüsse auf deine Musik:
Die Zusammenarbeit mit Tony Buck (Schlagzeuger von The Necks) sowohl in der Gruppe Transmit (aktiv zwischen 2011 und 2017) als auch bei meinem ersten Album “Hold” hat mich in vielerlei Hinsicht enorm beeinflusst. Einige dieser Wege sind, mir kreative Freiheit zu erlauben, Minimalismus in der Musik, Zurückhaltung in der Performance oder das Eintauchen in den Prozess der Ideenfindung und -entwicklung. Außerdem hat mich der New Yorker Minimal-Drone-Komponist Phill Niblock beeinflusst, dem ich bei einigen seiner Projekte in Berlin assistiert habe. Die Einstürzenden Neubauten waren mein Weg aus der konventionellen Rockmusik in die klanglichen Experimente. Die Young Gods und Fennesz machten mich mit bearbeiteten Gitarrensounds bekannt. Pan Sonic und Mika Vainio zeigten mir, dass elektronische Musik sehr energiegeladen und tiefgründig und dennoch minimalistisch sein kann. Swans zeigten mir die Extreme musikalischer Intensität, die in vielen verschiedenen Richtungen möglich sind. Deathprod war mein Einstieg in die experimentelle norwegische Klangwelt. Natürlich war jeder Musiker, mit dem ich seit meinen frühesten Jahren gearbeitet habe, mehr oder weniger einflussreich. Ansonsten beobachte ich die Natur in all ihrer schillernden Schönheit bis hin zu ihrer brutalen Kraft. Die menschliche Natur. Ich habe meinen Anteil an herausfordernden und schönen Jahren erlebt.

Kurze Beschreibung der Musik/Projekt:

“Die Jagd nach hypnotischen Fragmenten von Bassgitarrengeräuschen … angetrieben von unerbittlichen Beats”

Meine Wurzeln als experimenteller Rockmusiker und Klangkünstler verschmolzen mit meiner langjährigen Erfahrung in der Berliner Musiksoftware-Szene. Ein Teil meiner früheren Jobs bei Ableton und Native Instruments bestand darin, die Arbeitsweise von Künstlern (vor allem elektronischen Musikern) zu untersuchen. Natürlich wurde ich von einigen der Dinge, die ich sah, beeinflusst. Doch selbst 2012 war es im Underground-Rock noch unüblich, mit Computern und Laptops zu arbeiten. Irgendwann wurde mir klar, dass es nur ein natürlicher Teil meiner Entwicklung war, alles zu kombinieren, was ich seit meinen frühen Tagen kennengelernt hatte. Ein wichtiger Aspekt ist jedoch, dass ich meine Kompositionen aus der Perspektive eines elektronischen Soundkünstlers betrachte, der Klänge und Texturen auf unkonventionelle Weise außerhalb des Rockformats erkundet. Als Ausgangspunkt kombiniere ich oft eine verzerrte Bassgitarre mit Metallobjekten und erkunde sie mit der Drone-Software von Robert Henke (alias Monolake). Erst wenn ich eine Klangwelt entdeckt habe, füge ich die traditionellen Elemente wie Schlagzeug, Riffs und musikalische Figuren hinzu.

Bitte teile mit uns, was in der Zukunft zu erwarten ist:
Einige Live-Shows werden hier und da stattfinden, aber hauptsächlich werde ich mich wieder in mein Studio zurückziehen, um nach weiteren Klangwelten und Musik zu suchen. Kollaborationen kommen manchmal vor, aber da ich so viel Zeit und Energie in das investiere, was ich tue, liegt mein Hauptaugenmerk darauf, so viel hochwertige Musik wie möglich in diesem Leben zu machen 🙂

James Welburn’s Website und Social Media Kanäle:

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(Albumcover: James Welburn – Hold, Photocredit header: James Welburn live in Bratislava, Slovakia. Photo by Jana Makroczy)

Künstler-, Projekt- oder Bandname:
Milenasong

Mitglieder:
Sabrina Milena (Gesang, Gitarre, Lyrics, etc.)

Gründungs-/Enstehungsjahr:
2001 (aktiv bis 2014)

Land:
Norwegen/Slowenien/Deutschland

Genre/s:
Experimental, Folk, Singer/Songwriter

Veröffentlichungen:
Seven Sisters (2007)
My Lovely Swan (aufgenommen 2005, veröffentlicht 2014)
Moth Factory (aufgenommen 2006, veröffentlicht 2014)

Kurzbeschreibung:
“Als ehemalige Studentin der Kunst und des Klangs war es für Milenasong nur natürlich, mit Musik zu malen. Vor zehn Jahren veröffentlichte sie ihr Debütalbum “Seven Sisters”, sowie ihre erste Veröffentlichung, die EP “Can’t Tape Forever”, als sie bis 2007 in Berlin lebte. Ab 2008 musste sie sich aufgrund einer schweren Krankheit und der Geburt ihrer Tochter komplett neu orientieren. Seit April 2011 arbeitet sie an ihrem 2. Album – “moodSEY”. Es wurde in London begonnen, bei Bauteil3 in Berlin gemischt und in Oslo, wo sie jetzt lebt, fertiggestellt.
Das Album ist wie die 3 Tarot-Karten: The Tower, The High Priestess und Aeon in einem – ein Stück über Umbruch, Reflexion, Transformation – eben die Dinge im Leben, die wir nicht kontrollieren können. Es wird im Frühjahr/Sommer 2018 auf ihrem Mi Ka Label erscheinen.
Aktuelle Wellen: Die Dinge sein lassen, wie sie sind, mit der gegebenen Gesundheit, dem Wetter und den Gleichgesinnten kooperieren, damit sich die Möglichkeiten weiter entfalten.”
Monika Enterprises, 2017

Links:
BANDCAMP

Künstler-, Projekt- oder Bandname:
The Coast Ghost

Mitglieder:
Yaroslav Shitenkov (Gesang, Gitarre, Programmieren, Lyrics, etc.)

Gründungsjahr:
2019

Land:
Russland

Stadt:
Rostov am Don

Genre/s:
No Folk

Veröffentlichungen:
THE COAST GHOST – THE COAST GHOST (01/21/2020)
THE COAST GHOST – SILENT LAMENT (12/31/2020)

Kommende Veröffentlichung:
Neue Veröffentlichung vorraussichtlich im Spätsommer 2021

Der Künstler sagt:
“Die meisten Phänomene der Welt haben mehrere Seiten, von denen einige polar sind. Helle und schöne Blumen mit einem schwindelerregenden Aroma wurzeln in der mit Asche gesättigten Erde; wahre Liebe ist denen vertraut, die gelernt haben, was Leere und Einsamkeit ist, und das Leben ist hell schattiert in einer Reihe von Geburt und Tod.

In meinen musikalischen Forschungen wende ich mich oft dieser “spiegelnden” Seite zu, sie gibt mir einen besonderen “Nährboden” und Kraft, um vorwärts zu kommen, sowie ein Verständnis für die Dinge in meinem eigenen Leben.”

Inspiration:
Trockenblumen und Nachtschwalben

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Photo credits: The Coast Ghost

Künstler-, Projekt- oder Bandname:
Tigermask

Mitglieder:
T.K. (Gesang, Songwriting, Musiker, Produzent)

Entstehungsjahr:
Ich schreibe Songs seit 2006/07, Tigermask wurde konkret im Jahre 2014, als ich begann Ovum aufzunehmen.

Land:
UK

Genre/s:
Alternative/Psychedelic Folk-Rock

Veröffentlichungen:
Ovum (LP/2015)
Timeless (single/2019)

Kommende Veröffentlichung:
Cocoon (album/30th July 2021)

Der Künstler sagt:
“Als ich etwa 13 Jahre alt war, wurde ich sehr krank. Ich schaffte es, die Schule zu beenden, aber mein Gesundheitszustand verschlechterte sich allmählich, als ich älter wurde, bis in meine späten Teenagerjahre hinein. Mit der Zeit wurde ich immer mehr isoliert. In dieser Zeit begann ich mit dem Schreiben, vor allem, um meiner Frustration und meinen Emotionen, die ich auf keine andere Weise ausdrücken konnte, Luft zu machen.

Das Schreiben entwickelte sich langsam zu einer “Song”-Form, zu einer Zeit, in der ich auch anfing, mir das Gitarren- und Klavierspielen beizubringen, sowie mir selbst beizubringen, wie man Musik aufnimmt/produziert (ursprünglich wollte ich DJ werden, wurde aber von Leuten wie Bob Dylan / JimiHendrix etc. angezogen!) – ich beschloss, dass ich die Geschichte meiner Krankheit und die letztendliche Genesung durch Musik erzählen wollte, und so wurde das Konzept einer Trilogie von Alben geboren. Ovum, Cocoon und Moth (das ich noch nicht aufgenommen habe).

Die Geschichte hat inzwischen ein wenig mehr von einem Fantasyelement angenommen (zum Teil inspiriert durch die Art von Mythen, die man in der Blues- und Folk-Musik findet), während Ovum stellenweise einen tagebuchartigen, bekenntnishaften Charakter hat, habe ich versucht, Cocoon ein wenig mehr in eine filmische Richtung zu bringen.

Ich bin vom Film genauso inspiriert wie von der Musik. Wenn man sich Spaghetti-Western und David Lynch vorstellt….., dann ist das die Art von Gefühl, die ich mit meiner Musik erreichen will! Es war mir wichtig, dass ich alles selbst aufnehme und so viel wie möglich von meiner häuslichen Umgebung aufnehme, um das Konzept so ehrlich wie möglich zu halten – sowohl Ovum als auch Cocoon wurden zu Hause in einem Schlafzimmer-‘Studio’ aufgenommen, wobei ich etwa 12-13 Instrumente benutzte, die ich im Laufe der Jahre angesammelt und zu spielen gelernt habe (Gitarre, Klavier, Banjo, Ukulele, Geige, Cello und Harfe, um nur einige zu nennen).

Tigermask wurde geboren, als ich begann, mein Leben wieder in den Griff zu bekommen. Bis vor kurzem habe ich meine kreative Seite ziemlich verheimlicht und sie vor Freunden und Familie versteckt. Es klingt blöd, aber durch die Erschaffung dieses Charakters habe ich das Gefühl, dass er mir geholfen hat, offen und ehrlich mit meinem Songwriting zu sein, wie ich es sonst nicht gewesen wäre.”

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Credits (Headerbild & Artwork für Album “Cocoon”): Tigermask